Atuar em um filme requer técnicas diferentes de atuar em um palco. A premiada atriz Helen Mirren oferece dicas sobre como atuar para as câmeras.

Retrato de Helen Mirren

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Em 28 aulas, a vencedora do Oscar, do Globo de Ouro, do Tony e do Emmy ensina seu processo de atuação no palco e na tela.

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Helen Mirren é uma das maiores atrizes de nosso tempo - para não mencionar uma vencedora do Oscar, vencedora do Emmy, do Tony e do Globo de Ouro. Embora a atriz inglesa não tenha tido aulas de atuação tradicional em uma escola de teatro, ela passou por um treinamento intensivo na prestigiosa Royal Shakespeare Company em Londres e também passou um ano viajando pelo mundo na companhia de teatro experimental de Peter Brook. Ela é conhecida por seu trabalho no palco e no cinema.

Qual é a diferença entre a atuação no palco e na tela?

Imaginativamente, atuar no palco e na tela é o mesmo; mas existem duas grandes diferenças que afetam as técnicas de atuação que você usa ao atuar diante das câmeras. Um é o close-up - você pode usar seu rosto como um instrumento com mais nuances quando estiver trabalhando na câmera. No palco, o público se senta à distância e não consegue ler as mudanças nuançadas em suas expressões faciais da mesma forma que seria capaz de ler na tela. No filme, você tem mais controle sobre as sutilezas de expressão ou mudanças nos tons vocais. O outro é o controle sobre seu desempenho. Quando você está em uma peça, você está no controle de seu desempenho inteiramente - como você se move, quando você se move, quando comanda a atenção ou quando escolhe a quietude. No cinema, você cede parte de seu controle a um diretor e editor, que constrói sua atuação por meio de uma série de tomadas.

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A necessidade de aprender técnicas de atuação em filmes

Os atores profissionais mais versáteis se dedicarão ao aprendizado de técnicas de atuação cinematográfica da melhor maneira possível. O processo de aprendizagem da técnica pode ser um trabalho árduo, mas é necessário para abandonar e encontrar a liberdade criativa. Durante o processo de aprendizado da técnica de cinema de Helen, ela se inspirou no livro Entrevistas com Francis Bacon, em que Bacon discute como o domínio da técnica permite que você tenha momentos de inspiração pura e descontrolada.

O melhor das dicas de atuação em filmes de Helen Mirren

Aqui, Helen compartilha suas quatro principais dicas de atuação em filmes para atores de cinema, lembrando que sua tomada mais brilhante só poderá ser usada se você atingir seu objetivo.

1. Compreenda as diferentes fotos da câmera

Para ter sucesso diante das câmeras, você precisa entender como será filmado. Obtenha uma compreensão mais profunda de como os quadros e ângulos informam seu desempenho com algumas das tomadas de câmera mais comuns:

  • Close-up: um plano próximo que amplia um aspecto específico de um personagem ou cena, geralmente expressões faciais ou gestos com as mãos; sutileza é a chave com o close-up. Mais frequentemente usado para fornecer uma sensação de proximidade emocional, embora também possa ser usado para revelar subtexto ou criar confusão, limitando o acesso do público à cena mais ampla.
  • Foto intermediária: uma foto confortável que preenche o quadro igualmente com o fundo e os assuntos. Normalmente usado para retratar pequenos grupos de pessoas envolvidas em um diálogo ou uma cena da cintura para cima de uma única pessoa em ação.
  • Foto ampla: uma tomada longa que é puxada para trás de modo a mostrar uma cena inteira, geralmente realizada com uma lente grande angular. Pense em cenas em que exércitos inteiros marcham, ou multidões de pessoas enchem as ruas, ou um carro serpenteia por uma estrada panorâmica ou um ator atravessa uma floresta.

Para praticar suas habilidades de atuação na câmera, convide um parceiro para ajudá-lo a filmar você fazendo seu monólogo usando essas três tomadas diferentes: uma tomada ampla, uma tomada intermediária e um close-up. Execute seu monólogo em cada cena com o melhor de sua capacidade. Observe como fazer uma foto ampla permite que você utilize sua fisicalidade e o espaço em que você está, enquanto a metade da foto e o close-up mudam a consciência do que está acontecendo em seus olhos e rosto. Observe também como algumas de suas posturas corporais e maneirismos desaparecem no close-up. Estude cada um. Como eles diferem? O que você mudaria?

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2. Acompanhe a história

Os filmes costumam ser filmados fora da sequência, por isso é essencial manter uma consciência proativa de como suas cenas ou tomadas se encaixam no filme como um todo. Familiarize-se com o supervisor do roteiro, que é responsável por rastrear a continuidade, e eles podem mantê-lo informado sobre sua posição na história. É útil ter uma ideia da ordem das fotos no início do dia e não tenha medo de perguntar qual é a próxima cena se você estiver perdido.

3. Técnica de equilíbrio com emoção

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Em 28 aulas, a vencedora do Oscar, do Globo de Ouro, do Tony e do Emmy ensina seu processo de atuação no palco e na tela.

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O filme requer que sua mente esteja correndo em várias trilhas ao mesmo tempo: a trilha emocional e a trilha técnica. O epítome da técnica de filme é ser capaz de equilibrar um senso agudo de onde você está emocionalmente com um senso agudo de onde a câmera está em relação a você. Ao longo de sua carreira de ator, haverá casos em que as cenas requerem simultaneamente intensa expressão emocional e habilidade técnica; é aqui que o pensamento de duas trilhas o ajudará a reproduzir tanto o momento emocional da cena em tempo real, quanto saber exatamente onde a câmera está.

4. Desenvolva um Ritual

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Em 28 aulas, a vencedora do Oscar, do Globo de Ouro, do Tony e do Emmy ensina seu processo de atuação no palco e na tela.

Os sets de filmagem e os cinemas podem ser lugares opressores e perturbadores. Para dar o seu melhor desempenho, encontre uma maneira de bloquear as distrações e permanecer fundamentado em seu próprio processo pessoal.

Isso é o que acontece antes de uma tomada: você está em seu mundo; você está em seu personagem; você está em seu ambiente, diz Helen. Onde quer que seja! pode ser a Roma antiga, você sabe - pode ser em qualquer lugar. Mas, neste ponto, você tem que cortar todas essas coisas do seu mundo. Você tem que manter sua concentração, reencontrar seu personagem; reencontrar seu ambiente. E agora, talvez você esteja pronto para trabalhar.

Se você estiver se sentindo perdido ou ansioso, tente desenvolver um ritual para mergulhar em seu personagem ou no momento da história - talvez seja uma meditação ou uma única palavra que você repete para si mesmo, ou talvez seja tão simples quanto lembrar-se de sua intenção anterior a cena começa. Você também pode buscar inspiração em bebês e cachorros, como Helen faz. Eles são tão simples e tão presentes quando estão diante das câmeras que estão sempre hipnotizantes. Procure esse estado em você mesmo.

Quando o diretor chama a ação, você não precisa começar a agir imediatamente, diz Helen. Se você precisar de um pouco mais de tempo apenas para se livrar de toda essa distração incrível com a qual teve que lidar ao se preparar para entrar no set e depois entrar no set. Um cenário é um ambiente incrivelmente perturbador, e é tudo sobre como manter a concentração.

4. Desenvolva um Ritual

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5. Aprimore seu processo criativo pessoal

É importante lembrar que você é único - todos os atores são, então seja honesto com o que você precisa para fazer seu melhor trabalho. Você pode ter uma maneira completamente diferente de se preparar para uma tomada. Mantenha-se fiel ao seu processo e não deixe que outros atores o tirem disso. Se você está lutando com um desafio no set, como uma co-estrela com quem você não se conecta, tente canalizar seus sentimentos para a sua performance - use-os, não lute contra eles.

No final, não existem regras. Você continuará aprendendo à medida que avança, e muito do que você faz no set virá com a experiência. Renda-se a esse fato e continue a encontrar a alegria em seu trabalho - se você está almejando um papel em um curta-metragem ou em um blockbuster de Hollywood.