Para o cineasta de renome mundial Spike Lee, contar uma história não é apenas registrar a ação, mas como as imagens são capturadas.

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O filme é uma narrativa visual. De acordo com o cineasta de renome mundial Spike Lee, contar uma história não é apenas registrar a ação, mas como as imagens são capturadas. Quer você seja um cineasta estreante ou um especialista da indústria cinematográfica, as dicas de cinematografia de Spike o ajudarão a entender melhor como usar a câmera para contar sua história.

Uma breve introdução a Spike Lee

Spike Lee cativou nossa consciência cultural pela primeira vez em 1986 com seu filme de estreia, Ela tem que ter , uma história sobre uma mulher sexualmente poderosa no Brooklyn e seus três amantes, contada em preto e branco. Ao longo de sua longa e variada carreira, Spike sempre tirou proveito de sua própria vida, que abrange tudo, desde faculdades e universidades historicamente negras, colorismo na comunidade negra, conflitos culturais no Brooklyn, amor e jazz, relações inter-raciais e vícios Spike Lee continua a fazer filmes - e a fazer movimentos: em 2010, a Biblioteca do Congresso selecionou Malcolm X para preservação no National Film Registry e seu filme mais recente é 2020 Da 5 Bloods .

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Dicas de Spike Lee para contar uma história que ressoa

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As 4 dicas de Spike Lee para usar a câmera para contar sua história

Spike Lee é conhecido por experimentar diferentes técnicas de cinematografia em seu trabalho, dando a seus filmes uma sensação viva, orgânica e um aspecto cinematográfico. Se você está procurando apimentar sua produção de filmes, tente pensar como um diretor de fotografia , usando a câmera para reforçar sua narrativa. Aqui estão algumas das dicas de Spike para empregar um trabalho de câmera interessante para elevar sua história:

  1. Brinque com os ângulos da câmera. A maneira mais simples que conheço de mostrar um contraste entre personagens com cinematografia é apenas a colocação da câmera, explica Spike. Se você quer mostrar que alguém pode não ser forte e um pouco fraco, você atira nele de cima. Se você quer mostrar que alguém é poderoso e controlador, você atira por baixo. Além de fotos de alto ângulo e fotos de baixo ângulo, Spike usa diferentes ângulos de câmera em seus filmes para sugerir tensão, por exemplo, uma cena particular em Faça a coisa Certa , quando Buggin ’Out, Radio Raheem e Smiley entram em uma lanchonete para confrontar Sal, a tensão é palpável por causa do ângulo inclinado da câmera. Não é um ângulo holandês, não é um ângulo chinês, um ângulo inclinado, diz Spike. Quando você vê este [ângulo] - oh oh. Spike usa o ângulo inclinado da câmera para indicar ao público o conflito iminente.
  2. Não tenha medo de mover a câmera. Há uma dinâmica que você obtém com o movimento da câmera, explica Spike. Movimento da câmera pode comunicar poder, tensão ou ação crescente. Spike diz que tentou evitar tiros estáticos ao atirar Faça a coisa Certa porque o filme é sobre movimento. Queremos que as pessoas entrem no quadro, longe do quadro, de um lado para o outro, diz ele. Como exemplo de movimento da câmera, Spike explica uma cena particular em Faça a coisa Certa em que, para várias fotos consecutivas, a câmera entra (em um dolly ou na mão) em personagens individuais falando - mas quando corta para o personagem de Samuel L. Jackson, a câmera está estática, enquanto Jackson é quem aumenta o zoom para a lente. Chama a atenção para o momento e dá um impacto maior.
  3. Use cenas de uma tomada para interesse visual. Muitos cineastas, quando filmam uma conversa entre dois grupos de pessoas, filmam os dois lados separadamente em close-up e simplesmente cortam entre as duas tomadas para unir a cena. Ao filmar uma cena para Mo ’Better Blues , Spike queria evitar isso, em vez de optar por filmar a cena inteira em uma tomada com uma única câmera revirando o ponto de vista entre os dois grupos. É mais divertido e mais orgânico, diz Spike. Coisas como essa são a coreografia entre os atores e a câmera. Essa técnica de filmagem pode ser especialmente útil para cineastas independentes que podem ter acesso a apenas uma câmera. Se você quiser fazer uma foto como esta, o conselho de Spike é simples: você só precisa continuar trabalhando até acertar.
  4. Use a câmera para falar com o público. Spike costuma empregar personagens que falam diretamente para a câmera em seus filmes. A câmera é o público, diz Spike. Quando os personagens falam para a câmera, todos estão se dirigindo ao público. Em outro filme de Spike, 25ª hora , O personagem de Edward Norton fala consigo mesmo no espelho - mas quando a câmera o encara, o ator parece estar falando diretamente para o público. Isso faz com que a cena pareça muito mais íntima para o público. Você não pode fazer isso no filme inteiro, Spike avisa, então você tem que ser muito criterioso ao fazer isso.

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Há muitas coisas que você pode fazer para desenvolver suas técnicas de filmagem, mas o primeiro passo para qualquer aspirante diretor de fotografia é se familiarizar com uma grande variedade de tipos de tomadas. Aqui estão algumas das fotos mais comuns em Hollywood :

  1. Foto de close-up / close-up médio: Fotos de close-up são filmados de uma forma que enquadra bem o assunto, preenchendo a tela com um aspecto ou detalhe particular, como um rosto ou uma mão.
  2. Close extremo: Um close-up extremo é uma versão mais intensa de um close-up, geralmente mostrando apenas os olhos ou outra parte do rosto.
  3. Tiro médio: Em algum lugar entre um close-up e uma tomada ampla, a tomada média é filmada de um ponto de vista que mostra um assunto da cintura para cima, enquanto também revela um pouco do ambiente ao redor.
  4. Tiro amplo: Um plano amplo, também chamado de tiro longo , é filmado de um ponto de vista distante de uma forma que enfatiza o lugar e a localização, colocando o assunto da cena no contexto.
  5. Tiro amplo extremo: Uma tomada ampla extrema, também chamada de tomada longa extrema, é filmada de um ponto de vista extremamente distante. Essa distância extrema tem o objetivo de fazer o objeto parecer pequeno ou insignificante em sua localização.
  6. Enquadramento de cena: A tomada de estabelecimento aparece no início de uma cena para permitir que o público saiba onde está. Isso prepara o terreno para o que entra em cena.
  7. Tiro sobre o ombro: Outra maneira de capturar dois assuntos no mesmo quadro é com uma foto sobre o ombro, quando a câmera é posicionada atrás do ombro de um assunto (com o outro assunto visível na tela).
  8. Foto de ponto de vista / foto POV: Uma tomada de ponto de vista mostra a ação através dos olhos de um personagem específico. Essencialmente, permite que o público se torne esse personagem.
  9. Ângulo Holandês: Uma cena em que a câmera é inclinada para um lado. Também chamado de ângulo inclinado, um ângulo holandês tem o objetivo de desorientar o público ou transmitir o caos.
  10. Dolly Shot: Uma tomada em que a câmera é movida ao longo de uma trilha de dolly, geralmente em sincronia, movendo-se em direção ou afastando-se do objeto conforme ele se move.
  11. Zoom Dolly: Enquanto a câmera se move em um carrinho para perto ou para longe de um assunto, a lente de zoom é puxada na direção oposta para dar a ilusão de aumentar o zoom enquanto o assunto permanece do mesmo tamanho (também chamado de foto de vertigem). Saiba mais sobre o Double Dolly Shot de Spike Lee em nosso guia aqui.
  12. Tiro de rastreamento : Uma cena em que a câmera se move junto com o personagem que está filmando.
  13. Panning shot : Em uma tomada panorâmica, a câmera se move em uma cabeça giratória fixa.
  14. Tiro de guindaste: Esta foto é tirada em um guindaste em movimento, geralmente para simular uma varredura sobre ou ao redor do objeto.
  15. Foto aérea: Uma foto aérea é tirada ainda mais alto do que a vista aérea, geralmente de um helicóptero ou drone. Mostra quilômetros de paisagem ou paisagem urbana vista de cima e, embora o assunto possa não ser visível, comunica ao público que eles estão em algum lugar desse mundo.

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